jueves, 10 de mayo de 2012


Un retrato musical de colores


Universidad de Costa Rica
Escuela de Artes Musicales
Análisis Musical III



Comparación entre el preludio de Debussy,
“La fille aux cheveux de lin” y retratos de Monet y Renoir


Diego Solano Ulate

Abril de 2012


Introducción

En este trabajo se tratara de abordar una comparación entre la obra del compositor francés Claude Debussy, La fille aux cheveux de lin, y retratos de algunos pintores también franceses pertenecientes al movimiento impresionista, Pierre Renoir y Claude Monet
¿Se encuentra relacionada la obra de Debussy con la del los pintores y pintoras impresionistas?
La intención de este análisis, es tratar de señalar como las técnicas de la pintura se pueden relacionar con las técnicas utilizadas para la composición musical de esta obra, a la vez que intenta proporcionar una perspectiva interesante sobre la relación mencionada.



La fille aux cheveux de lin, es un preludio de Claude Debussy, que como dice Germán Espinoza, en su libro Ensayos Completos:
            “…aunque inspirada quizás en una canción escocesa de Leconte de Lisle termina siendo la delineación melódica de una muchacha virginal, expresada no en sí misma, sino en emociones que es capaz de suscitar” (Espinoza, 2002, Pág.86)

Con este preludio podemos establecer una relación entre el impresionismo pictórico y el musical, ya que Debussy trata de dejar de lado, al igual que los poetas y pintores de la época, la representación de las pasiones o emociones personales como se venia haciendo desde Beethoven y durante el Romanticismo, más bien trata de producir una sensación en el espectador, esbozar una imagen particular, que será el que aprecie la obra el que la definirá o por lo menos la tendrá en su mente. El artista se limita a decir esta es mi impresión y describe mediante sus medios la impresión que captó.

Estela Ocampo en el libro Impresionismo: pintura, Literatura, Música, señala que Debussy tiene una gran afinidad con los simbolistas y los impresionistas, dice con respecto a su música que “ya no se trata de imitar el sonido del viento, el ruido de una rama o el desborde de la pasión. Se trata de modificar la gama y la escala de los sonidos, la armonía, así como se había hecho con la forma de los versos y la imagen de los cuadros, buscando una pureza que alejara de la mente del oyente toda representación tradicional” (1981, Pág.110)


En este fragmento de Maurice Serullaz podemos ver una descripción de los impresionistas que nos ayuda a comprender mejor la relación entre las obras que comparamos.

            EL ojo Académico y el ojo Impresionista, Polifonía de los colores.
En un paisaje bañado de luz, en el que los seres se modelan como grisallas coloreadas, donde el Académico solo ve la luz blanca, esparcida, el impresionista la ve bañando todo, no de muerte blanquecina, sino de miles de combates vibrantes de ricas descomposiciones prismáticas. Donde el Académico sólo ve el diseño exterior que encierra el modelo, aquel ve las líneas reales vivas sin forma geométrica, pero edificada de miles de toques irregulares que, de lejos, establecen la vida. Donde el Académico ve las cosas que se colocan en sus respectivos planos regulares según un armazón reductible a un diseño teórico, aquel ve la perspectiva establecida por las miles de naderías de tonos y de toques, por las variedades de estados en el aire que siguen su plan de no inmovilidad sino inquieto.
(1992, Pág.7)

Serullaz también señala que los músicos y los poetas, influenciados por la visión de los pintores “pintan” lo que experimentan, mientras que los pintores sugieren la música de las cosas, de esta forma podemos asumir una correspondencia entre las manifestaciones pictóricas y las musicales, siempre bajo el principio descriptivo, y el uso de recursos de color para crear su representación, En el caso del preludio, la paleta musical de Debussy consta de algunos elementos que sirven para su retrato sonoro:

Uno de estos es el primer material de toda la obra, este aparece al principio solo,

pero se presenta también en diferentes combinaciones con otros recursos como una pintura en la que un elemento se matiza de diferentes colores, esta frase la encontramos de nuevo en compás 8, con acompañamiento de acordes. Luego aparece en la recapitulación en a partir de compás 28, sobre un acorde de Cb M.

Otro elemento lo vemos en la combinación del ritmo semicorcheas y corchea con los saltillos.

También encontramos una sección de movimiento en bloque en los compases del 24 al 27,

este material nos lleva hacia la recapitulación en compás 28.

Si partiéramos de la comparación que hemos querido hacer, la melodía que se presenta en el preludio, la podríamos ver como el retrato de aquella mujer que presenta Debussy; si se quiere, lo sinuoso de la melodía, como asciende y desciende a través de escalas largas o cortas, puede representar incluso esa cabellera de lino o si se quiere el contorno de su rostro, o de su cuerpo, es la descripción de la imagen en sí. Para esto miremos estos retratos

                           
                        C. Monet                                                        P. Renoir

Los elementos señalados antes los podríamos ver en los rasgos de los niños de los retratos, los ritmos contrapuestos en las facciones
Pero la armonía en este preludio es el elemento que crea una atmosfera en el retrato, es lo que le da la gama de colores a los detalles de la imagen y Debussy se vale de algunos recursos en este elemento. Uno es el uso de acordes tradicionales, pero con la finalidad de dar color a la sección, un ejemplo de esto se encuentra en compases 5 y 6, estos acordes se comportan como tonales. En el compás 28 también encontramos un acorde que funciona como colchón armónico a la melodía.
También encontramos otros acordes extraños a la melodía como por ejemplo en compás 8

, están formados como vemos por una segunda mayor y una cuarta aumentada, y al verlos no logramos relacionarlos con una escala o ni tan siquiera con la melodía de manera tradicional, es decir como elementos de una armonía tonal, mas bien los podemos ver como efectos o colores armónicos. Los pintores impresionistas trataban de plasmar un paisaje o una impresión de un instante, utilizando el color y el contraste como elementos descriptivos, utilizando la mancha y la pincelada en lugar de delinear contornos, era como si nada mas dijeran esto es lo que yo vi. Debussy utiliza de este modo la armonía, como colores y como manchas sonoras. En las pinturas encontramos como una técnica del impresionismo es el sombreado con color, y esto también nos queda claro con el tratamiento armónico en el preludio. Volviendo a los cuadros de Monet y Renoir, vemos como los colores y las texturas ayudan a darle un contexto a la imagen, crean en el cuadro esa atmosfera que mencionábamos, al igual que la armonía en La fille aux cheveux de lin.

El color melódico se lo da al preludio las escalas utilizadas por Debussy (ver anexo 1), lo logra con los cambios que hace en estas de la mano de la armonización.


Conclusiones
Realmente vemos que Debussy y su obra está absolutamente ligada a la obra pictórica impresionista, como dice Ocampo:
            “las imágenes de Debussy son como las Nymphéas de Monet o los versos simbolistas: no describen, no cuentan nada, son la fuente de imágenes vagas, ambiguas y profundamente sugerentes.” (1981, Pág.110)
En el caso de el preludio analizado no es la excepción, mas bien al ser el titulo tan descriptivo, y de carácter de retrato, nos dio la posibilidad de observarlo como una pintura de sonidos.
Se ha podido ver como los recursos utilizados por Debussy son muy comparables con los de los pintores, pues sus ritmos como sus sonoridades y armonías son  a su obra, como  lo que la pincelada, la mancha y los colores.



































miércoles, 9 de mayo de 2012

Canto de Meditación de la misa campesina Nicaraguense


Análisis Musical III
                                                          “Canto de Meditación
                                                                    Misa campesina Nicaragüense
                                                                          Carlos Mejía Godoy

           Elliette Martínez Espinoza      Carné B03710



                 INTRODUCCION

La Misa Campesina Nicaragüense es una obra de uno de los más importantes músicos y compositores de Nicaragua, Carlos Mejía Godoy originario de Somoto, departamento de Madriz. Nació el 27 de Junio de 1943, rodeado por una familia con tradición musical.
Se ha destacado por ser el creador de obras con carácter social pero también participó  activamente en el gobierno sandinista. Esto se ve claramente reflejado en su música donde muestra devoción por el movimiento revolucionario Frente Sandinista de Liberación Nacional. 
Carlos Mejía Godoy ha dedicado su vida a la investigación y al estudio del folklore nicaragüense, recopilando, dando a conocer la música campesina de su país, y  creando obras que muestran la identidad y el sentir nicaragüense. 
La misa campesina de Nicaragua quien nos muestra elementos de música y sones tradicionales nicaragüenses, fue compuesta y estrenada en 1975  en Solentiname, un hermoso archipiélago situado en el extremo sureste del Lago de Nicaragua y a donde Carlos Mejía se trasladó para recoger la experiencia religiosa de esta bella comunidad formada por campesinos y pescadores.
 La misa iba a ser inaugurada en la Plaza de los Cabros, en medio de una misa que celebraría el sacerdote Fernando Cardenal. Durante su estreno la actividad fue interrumpida por la guardia nacional, y días después cuando la misa empezó a popularizarse y a cantarse el Arzobispo publicó un edicto y su uso fue prohibido hasta la actualidad.
En el presente trabajo se analizará el canto de meditación, cuya letra fue escrita por él un campesino de nombre Pablo Martínez Tellez.  Se interpreta en la misa luego de la primera lectura y del salmo y antes del evangelio. Esta obra fue seleccionada por ser una de los cantos de mayor popularidad en Nicaragua, en donde se incorpora el folklore, la naturaleza, la geografía, la vida diaria, y se hace uso del lenguaje popular de los campesinos nicaragüenses.


ANALISIS DE LA OBRA

En el aspecto musical esta música no fue originalmente creada  en partituras, y se fue transmitiendo de unos a otros oralmente con la ayuda de discos y casetes. Con el tiempo esta música fue transcrita pero siempre respetando la versión original del compositor y se le agregaron algunas modificaciones que el pueblo ha impuesto con el paso de los años.
La grafía musical es manual, es sencilla, posee acordes sencillos para la guitarra, el cual es el acompañamiento más común y familiar entre los campesinos de Nicaragua, en donde en las diversas reuniones y fiestas se ejecuta.
La obra está escrita en compas ternario ¾, usando el ritmo de mazurca que es uno de los ritmos más usados en el repertorio de la música folclórica nicaragüense.
La obra contiene tres temas diferentes donde:
A: Tema 1. Estrofa 1
B: Tema 2. Estrofa 2
C: Tema 3. Estribillo, el cual se repite con mínimas variaciones.
El canto de meditación inicia en modo menor, tempo lento. Esto se mantiene durante las primeras dos estrofas. Hasta que se realiza un pequeño puente de dos compases y en donde se modula a Re mayor. En ese cambio de mayor a menor en el que también el ritmo se acelera y se muestra un cambio de textura en la obra esto apoyado tanto la parte musical como en la letra.
Las primeras estrofas nos muestras en Dmenor la petición que realizan los campesinos a Dios  antes que nazca el día, en otras palabras al amanecer cuando los pajarillos cantan. El primer pensamiento de cada persona en el campo al iniciar el día es Dios, y de igual forma que los pájaros inician el día cantando también los campesinos inician su jornada  pidiéndole al ser supremo la unidad, fuerza y amor y sobre todo que se gane la lucha contra la injusticia de la humanidad.


CANTO DE MEDITACIÓN

Antes que nazca el día
los pájaros del monte
nos dan sus melodías,
los güises y zenzontles;
el picotear sonoro
de un carpintero se oye
que en la punta de un árbol
su casa construye
donde va a vivir,
y un gorrioncillo salta
de una rama a otra
muy cerca de allí.

Como estos pajarillos,
hoy te canto, Señor,
pidiéndote nos unas
en fuerza y en amor.
Te alabo por mil veces
porque fuiste rebelde
luchando noche y día
contra la injusticia
de la humanidad.

Mil campesinos
unidos te cantamos,
bajamos de los cerros
con nuestras alforjas
repletas de amor,
por ser el pencón,
el guía y justiciero,
por ser el tayacán
de mi pueblo entero (bis).

Canten pijules, zanates y pocoyos,
vengan los chichiltotes,
los saltapiñuelas y el alcarabán;
que cante el colibrí,
canarios y chocoyos,
juntos con el macuá
canten felices todos (bis).
 Luego de esta petición en modo menor hay un pequeño puente de dos compases, y hay una modulación a Re mayor, entra la guitarra con más fuerza, se acelera el ritmo y la letra deja de ser una petición al ser supremo y se convierte en la esperanza de los miles de campesinos que con voces unidas le cantan a Dios al iniciar su jornada y al terminarla con mucho amor. Creen en un Dios lleno de justicia, y el tayacán o el líder de toda Nicaragua. También se une a este hermoso canto los diversos animalitos de la naturaleza que le cantan al creador en conjunto con los campesinos. Todos unidos luchando por una misma causa y cantándole llenos de felicidad y esperanza al Dios rebelde que los sacará de la situación que les agobia.



Con lo expuesto anteriormente notamos que existe una problemática cuando el compositor nos mezcla la religión con la problemática social que existe. Esta misa campesina nicaragüenses es muy diferente a la estructura convencional de las misas existentes, desde los diversos ritmos usados, las letras, incluso la iglesia ha impuesto normativas de cómo deben de ser los cantos litúrgicos para la misa. En el caso del canto de meditación tiene que llevar un mensaje que lleve a una actitud de reflexión antes de leerse el evangelio. Por lo general lleva la palabra Aleluya y nos habla sobre la palabra de Dios. En este caso el canto de meditación se aleja musicalmente y textualmente a lo que la iglesia estipula como permitido en una celebración eucarística. Sin embargo nos muestra el conflicto que existía no sólo en Nicaragua sino en toda Centroamérica, donde el pueblo cansado dice basta de la explotación y dominación por la que se ha visto impuesto.
Nicaragua es un pueblo religioso, en su mayoría son católicos, pero a lo largo de la historia ha existido una relación entre la iglesia y el movimiento revolucionario nicaragüense en otras palabras un proceso de integración entre católicos y sandinistas que han tenido que vivir experiencias en donde lo religioso está muy unido a lo político. Esto gracias a la lucha intensa contra la dinastía de los Somoza.
Había cristianos muy comprometidos y sandinistas perseguidos de igual manera por la dictadura Somocista. Incluso desde obispos, sacerdotes, monjas hasta el campesino más humilde o el activista más comprometido de los sandinistas cuyo nuevo gobierno no les permitía la libertad de expresión y ante cualquier acto de rebelión eran perseguidos y asesinados.
Los principios morales del Cristianismo son los principios morales de la revolución, y por este motivo existió un gran acercamiento entre la religión y la sociedad en Nicaragua y lo que Carlos Mejía Godoy plasmo en esta obra que muestra la realidad y el sentir nacional.
En el canto de meditación se pide a Dios contra la injusticia que se vivía en la lucha por la sobrevivencia ante los Estados Unidos.



A pesar de que la lucha por la libertad fue el motivo de la relación estrecha que se dio entre la religión y la sociedad, esta misa campesina tuvo una violenta represión, esto motivó a la unidad entre católicos y sandinistas, lo que la jerarquía católica no toleró con el triunfo de la revolución. Sin embargo esto no impidió la unidad de católicos con jóvenes que se fueron incorporando a la lucha política encabezada con el frente sandinista, todos con la misma causa de eliminar la injusta situación de miseria en la que se encontraban la gran mayoría del país.
Por lo que se usó la religión para alentar a todos a participar de las tareas que necesitaba el país para levantarse como campañas de vacunación, trabajos voluntarios, tareas de defensa.  En un inicio la iglesia apoyó y se pudo dar la relación entre la iglesia católica y el sandinismo, pero el radicalismo de los cambios sociales afectó a que miembros de la iglesia se convirtieran en opositores.
En el canto de meditación se ve reflejado que existe una lucha de clases, en contra de los opresores, y son los campesinos quienes le ofrecen su trabajo al Dios de los pobres, al Cristo trabajador que antes fue carpintero. Incluso al Dios que el pueblo le habla es un Dios que está cercano, que es humano, sencillo y al que es parejo con todos, sin discriminación. La letra contiene la voz autentica de los campesinos y muestra la forma de hablar del pueblo nicaragüense, usando cada uno de los rimos propios del país.
El propio autor nos dice:
«intenté y creo que lo logré, incluir en la Misa todos los ritmos de Nicaragua: el canto miskito representa la Costa Atlántica, la mazurca representa a las Segovias, el son de toros, las fiestas tradicionales de Nicaragua, va la marimba, va el son nica propiamente dicho, el Son de Pascua que es el Dios de los Pobres. Es decir, que están representados todos los ritmos de Nicaragua. Inserté la Mora Limpia que es una canción que aunque es de autor conocido, Justo Santos, es un clásico de la música nicaragüense. En el Gloria y en el mismo Gloria al comienzo, rompo con la Mama Ramona tantantaratantanta,la la la... La Chancha Flaca entra en el Ofertorio y la Perra Renca en el Kyrie».


El canto de meditación es un canto lleno de esperanza en una época de revolución en la que el campesino, el obrero, la mujer trabajadora le canta al Dios de la vida que les de fortaleza para resistir a las opresiones y que logren construir con el fruto de su trabajo una nueva comunidad llena de libertad.
Para este compositor el crear la misa campesina nicaragüense fue la culminación de una etapa de su vida en la que pasó por circunstancias familiares en su infancia que lo marcaron religiosa y musicalmente principalmente cuando realizó estudios en el colegio Calasanz,  y en el Colegio Salesiano en donde admiraba a un sacerdote y eso lo motivó a volverse padre:
«A 45 años de aquel momento, sigo pensando que habría cuajado como cura. Claro que sí, por una razón: Siempre he estado identificado con la enseñanza y además vinculado a los estratos más humildes. Y eso creo, que habría afirmado mi verdadera vocación. Yo me alejé porque me tocó hacer mis años de Seminario con uno de los sectores más atrasados del clero español, unos curas que venían de Castilla. Así eran ellos, como esas piedras duras de las murallas de Ávila»).
Para Carlos poder crear esta misa existieron dos momentos que marcaron si vida que fueron la muerte del Che Guevara y más tarde la inmolación de Leonel Rugama, así como el nacimiento de la nueva trova.
Dice Carlos: «me voy a Solentiname a terminar de trabajar en los cantos de la Misa. Invito a Pablo Martínez Téllez a crear el Canto de Meditación. La idea mía era hacer un trabajo de taller, cosa que en la práctica no se dio así. Invité a Pan de Rosa, a Tata Beto que ya murió, a Chico Lindo de la Isla del Venado, a don Enrique Soza Godoy, a los hermanos Matey, a Mundo Sandoval de Somoto, a los Urrutia de Estelí», pero «me tocó hacerla prácticamente a mí solo, desde el punto de vista musical, porque ya sabemos que desde el punto de vista de contenido, la experiencia del Evangelio de Solentiname fue riquísima, la Pastoral del Norte, la Costa Atlántica, etc...


Sin duda de todas esas experiencias, la más rica fue la de la Costa Atlántica con el Padre Smutko y la de Solentiname con Ernesto Cardenal a la cabeza y todos los muchachos: Elvis, Laureano, Alejandro, Bosco, Felipe... quienes más tarde llevarían a cabo el Asalto al Cuartel San Carlos. Allí yo estuve totalmente convencido de que esos muchachos eran capaces de dar su sangre por la revolución».
«Por eso digo», continúa Carlos, «que ésta es una Misa que sobrepasa al autor, sobrepasa las expectativas del autor. Lo que me tocó a mí fue agarrar todo eso y meterlo en la olla, con el chilito congo, la yerbabuena, el culantro, con todos esos elementos. Porque la carne, los huesos, la esencia, ya estaba allí».

Después de la prohibición de Obando y Bravo, la Misa Campesina fue galardonada con el Premio Bravo de la Comisión de los Medios de Comunicación de la Iglesia Católica de España. La Misa Campesina fue traducida al inglés, al portugués. Tiene seis traducciones actualmente y ha sido interpretada por coros de la Iglesia Metodista, Luterana Mormones y Ortodoxa Griega. Carlos Mejía cuenta con mucho orgullo que su Misa fue seleccionada entre 500 himnos mundiales de la Iglesia Metodista de los Estados Unidos.


CONCLUSIONES

Un cuarto de siglo después de creada, popularizada y prohibida la Misa Campesina, dice Sergio Ramírez, «la tolerancia debería hacerla regresar, aunque esa prohibición se queda de todas maneras como un asunto doméstico y no le quita nada de su majestad artística, y universal».
El canto de meditación es totalmente diferente de los cantos gregorianos que la iglesia permite, o de la majestuosidad presentada en las misas de Mozart o Beethoven, o a los arpegios bellísimos de las fugas de Bach.
En esta obra se nos presenta la algarabía de los acordes de la guitarra y a pesar de ser diferente  es un aporte valioso de la cultura autóctona que permitió que un pueblo participe de la alegría que es característica del latinoamericano y del nicaragüense.   
Esta música folclórica y popular en los templos ha dado un giro drástico en la liturgia, en la cual se ha usado elementos de música y sones tradicionales nicaragüenses que están llenos de color y alegría y refleja la idiosincrasia de Nicaragua.
 A pesar de que aún la misa sigue prohibida, es muy conocida a nivel internacional por su carácter festivo y auténtico.
El análisis de las diferentes partes de la misa nicaragüense revela la enorme distancia que separa sus textos de los de la misa tradicional. Aún así y la problemática que muestra entre la religión y los problemas sociales que muestra es digna de figurar en una antología de la nueva música latinoamericana.






 BIBLIOGRAFÍA



·         Tomás Borge: "El Axioma de la Esperanza". Editorial Nueva Nicaragua Margare

·         Randall: "Cristianismo y Revolución". Edit. Nueva Nicaragua, Fe Cristiana y
Revolución Sandinista en Nicaragua". Comisión Evangélica Latinoamericana

·         Revistas: : "Amanecer" y "Cuadernos de Sociología"

·         Monserrat Gallí Boadella: “Música para la teología de la liberación”. Anuario de la historia de la iglesia. Vol. XI. 2002. Universidad de Navarra. Pamplona, España.

·         http://bienestarciudadano.blogspot.com/2010/05/la-misa-campesina-nicaraguense-de.html



Recursos musicales dentro de la obra “Contrabajeando” de Ástor Piazzolla: Rasgos característicos presentes en el período de transición del estilo compositivo

Universidad de Costa Rica
Escuela de Artes Musicales
Análisis Musical 3
Prof: Ekaterina Chatski
Estudiante: Arlyn Montero Marín
I-2012



Introducción

                La obra de Piazzolla tiene influencias que no pueden encerrarse en una sola dirección. Desde el entorno familiar y el gusto por el tango que tenía su figura paterna: “El tango era esa música que él escuchaba casi todas las noches cuando volvía del trabajo” (Godín, 1990), el contexto cosmopolita de los años en que su familia radicó en Nueva York cuando él era aún solo un niño (1925-1936), la formación académica que recibió de distintos maestros como el pianista húngaro Bela Wilda, Alberto Ginastera, Raúl Spivak, Herman Scherchen y Nadia Boulanger; hasta los maestros del tango como Carlos Gardel y Aníbal Troilo Pichuco.
                Dada esta amplia variedad de influencias, el joven Ástor pasa por un período de confusión en su carrera: “En 1949 siente la necesidad de disolver la orquesta, apartarse del bandoneón, y casi del tango. Busca algo distinto, otro destino. […]Su búsqueda se hace obsesiva persiguiendo un estilo, una música que no tenga nada que ver con el tango. Todo era muy confuso y Astor decide abandonar el bandoneón para dedicarse a escribir y a profundizar sus estudios musicales.“ (Pessinis & Kuri, 2002).
                Y es durante esos años que Piazzolla compone un grupo de obras donde comienza a definir su estilo, entre ellas la obra en estudio “Contrabajeando”.



Desarrollo

Problemática Especial

“Contrabajeando”, de Ástor Piazzolla, es una obra del período de transición del compositor; donde busca profundizar sus estudios musicales y según Pessinis y Kuri; explora a Bartok, Stravinsky, la dirección orquestal y el jazz. Decide “alejarse” del tango y del bandoneón y escribe un grupo de obras donde comienza a develar su estilo.
Siendo un período donde el compositor mezcla las influencias tanto académicas como del tango que ha tenido; este análisis busca ahondar dentro de los recursos musicales que utilizó y encontrar aquellos recursos académicos que muestran su bagaje, así como los del tango, que nunca abandonaron del todo su obra.

Contenido metafórico

Existen definiciones técnicas del tango: “Una danza originaria de la Argentina urbana en el siglo XIX tardío. En métrica binaria, con una figura rítmica característica, consiste en dos secciones, la segunda usualmente en la dominante o relativa menor. Recuerda la Habanera y es a menudo interpretada en el acordeón, específicamente el bandoneón.” (Halfyard, 2012); sin embargo, al aproximarse a “Contrabajeando” podríamos referirnos también a la definición de Enrique Santos: “un pensamiento triste que se baila”. (López, 2004).
El trasfondo melancólico de la obra puede encontrarse desde el inicio, en una tonalidad de re menor claramente expresada a través de la armadura y de las progresiones armónicas donde la sensible, do sostenido, en resaltada dentro de la melodía.
La parte “bailable” del contenido metafórico se presenta a través del movimiento rítmico del acompañamiento, el tango en sí mismo no es solo música, sino danza; ese contexto clandestino que trae desde los burdeles nos remite al carácter bailable de la obra de Piazzolla.

Ideas Musicales

Recursos Académicos
El primer recurso característico de Piazzolla, significativo por la época en que creció y la influencia musical que tuvo es, su permanencia dentro de la tonalidad en la composición. En una entrevista que el mismo Piazzolla dio en Chile en 1989, parafrasea a su maestra Nadia Boulanger: “En todo caso, usted ya había optado por no abandonar el sistema tonal, como tantos compositores de su generación... “(Saavedra, 1989). “Contrabajeando” permanece principalmente dentro de la tonalidad de re menor, con secciones de inestabilidad tonal a manera de transiciones. En la sección B ligeros cromatismos que juegan con la melodía; pero con acordes que dejan percibir funciones armónicas; algo que otros compositores de su época decidieron experimentar.
Como evidencia de la búsqueda que atravesaba Piazzolla alrededor de 1950, en la obra en estudio, el compositor utiliza aspectos propios del contrapunto del barroco, muestra de su admiración hacia J.S. Bach: “En 1933 toma clases de música con el pianista húngaro Bela Wilda, discípulo de Rachmaninov y del que más tarde dijera "Con él aprendí a amar a Bach". (Pessinis & Kuri, 2002).Hay dos voces claramente desarrolladas con individualidad, presentando una imitación entre las voces. Del compás 1 al 4 se presenta el tema y en el compás 5 se da la primera imitación.  A partir del compás 10 podría considerarse como un segundo tema melódico.

Recursos del tango
En “Contrabajeando”, “Piazzolla enfatiza aquel contraste entre dos secciones que remite a la forma del tango: sección agitada, reiterativa, con acentuaciones percusivas, alterna con otra lenta, melódica, intimista.” (Goldenberg, G.). Del compás 1 al 18 sería la sección A, y a partir del compás 19 se desarrolla la sección B, en contraste.
Así mismo, se da la presencia de elementos propios del llamado tango de la “Guardia Vieja”, como por ejemplo el predominio en el acompañamiento del ritmo: (Graciano, J. 2003)
                El cual, puede observarse con una ligera variación cambiando el silencio de semicorchea por un puntillo alargando la primera figura; en los compases 6, 7 y 8 correspondientes al acompañamiento.

                Además, según Goldenberg, las obras de Piazzolla hallan unidad y síntesis a través de la recurrencia temática y en “Contrabajeando” podemos ver muestra clara de este aspecto de la obra del compositor; primero en el Da Capo que retoma el tema inicial en compás 41, y nuevamente en la segunda casilla que va hacia el final en compás 42. De la misma forma en compás 13, que toma el tema  de forma idéntica a la primera entrada.

Análisis de la Forma

“Contrabajeando” presenta dos secciones principales, siendo A desde el compás 1 hasta el 18; y B desde compás 19 hasta compás 26, donde comienza un puente con un desarrollo melódico distinto a los dos temas presentados hasta ese punto en las secciones A y B. Retoma el tema de la sección A en compás 41 para hacer un Da Capo, y termina con una pequeña coda que le da un carácter cíclico a la obra, retomando el tema inicial.

Esquema

Tema A ---- Tema B---- Puente----Tema A----Tema B---- Puente----Coda (material de A)


Conclusiones
                “Contrabajeando” presenta una tonalidad concreta (re menor) y elementos de contrapunto imitativo propios del barroco; los cuales son recursos musicales característicos de la música académica occidental.
                La obra presenta también las dos secciones contrastantes características del tango, así como la figuración rítmica en el acompañamiento propia de este género musical y además la reiteración temática que le da el carácter cíclico a la obra.
                Con la interacción de elementos de las prácticas musicales tanto académicas como populares, Piazzolla muestra esa inquietud por encontrar un estilo propio a través de su obra; que años después irá evolucionando hasta alcanzar su punto cúspide en el Nuevo Tango.





Referencias
Goldenberg, Gabriela. (S.F). La música de Ástor Piazzolla: Aspectos Estilísticos y Estructurales de su (Des)Territorialización.[http://www.hist.puc.cl/iaspm/rio/Anais2004%20(PDF)/GabrielaGoldenberg.pdf] Recuperado el 2 de abril, 2012.

Gorín, Natalio. (1990, 1998). Ástor Piazzolla: a manera de memorias. Perfil libros. [http://www.astorpiazzolla.org/piazzolla/PALABRAS/bandoneon.htm] Recuperado el 16 de abril, 2012.

Graciano, Julián. (2003). Análisis Musical del tango.[ http://es.scribd.com/doc/43447955/Analisis-Musical-de-Tango] Recuperado el 16 de abril, 2012.

Halfyard, Janet. (2012). “Tango”. The Oxford Companion to Music. Ed. Alison Latham. Oxford Music Online. [https://sibdi.ucr.ac.cr/http://www.oxfordmusiconline.com/subscriber/article/opr/t114/e6656] Recuperado el 16 de abril, 2012.

López, Ángela. (2004).  El tango, un pensamiento triste que se baila. [http://www.elmundo.es/elmundolibro/2004/10/20/poesia/1098275726.html] Recuperado el 16 de abril, 2012.

Pessinis, Jorge. Kuri, Carlos. (2002). Ástor Piazzolla: Cronología de una Revolución. [http://www.piazzolla.org/biography/biography-espanol.html] Recuperado el 2 de abril del 2012.

Saavedra, Gonzalo. (1989). Ástor Piazzolla: Un tango triste, actual, consciente. [http://www.astorpiazzolla.org/piazzolla/PALABRAS/tangotriste.htm] Recuperado el 16 de abril, 2012.